John Williams - Indiana Jones and the Kingdom of the Skull Crystal Género: Banda sonora original Año: 2008, Concord Records Valoración:

No hay tantos fanáticos de la música de cine como cinéfilos o simplemente seguidores de la saga de Indiana Jones, pero aún así la expectación ante la vuelta de John Williams a una de sus sagas más conocidas y aclamadas también era altísima. En cierta manera ha ocurrido lo mismo que con la película: dicha expectación superó a la realidad, esperando gran parte del público la última obra maestra del género. No ha sido así y muchos se han echado injustamente las manos a la cabeza. La realidad sólo es agria si no se acepta como tal: El reino de la calavera de cristal es una banda sonora de alta calidad, algo a lo que nos tiene acostumbrados John Williams, pero está un escalón por debajo de la trilogía. Hay que decir que estuvo mucho más inspirado en las nuevas entregas de La guerra de las galaxias, pero no por ello esta obra deja de ser un plato de agradable degustación.

En busca del arca perdida giraba en torno a una leyenda de gran calado en el subconsciente con una música repleta de temas poderosos, sobrecogedores, El templo maldito se inclinaba más hacia la acción y el terror con motivos oscuros e imponentes, y La última cruzada ofrecía un sin fin de temas de aventuras. El reino de la calavera de cristal se mueve por lo general en un tono de misterio, de magia oculta. Los motivos principales son de rasgos místicos y etéreos donde se sugiere más que se expone. Es por ello menos espectacular que sus hermanas y puede dejar algo indiferente en una primera escucha, pero es indudable que la música sigue siendo de primerísimo nivel y se amolda a la perfección a las imágenes. Hay que indicar que en la edición en disco los cortes no mantienen el orden correcto, siguiendo la nefasta política que vimos en la antigua trilogía. Es imperdonable que a estas alturas se sigan cometiendo estos estropicios.

La composición se inicia cómo no con los acordes de la Raiders March, a los que siguen una versión del tema de Marion, también protagonista en esta entrega. A continuación hacen acto de presencia los temas centrales: Call of the Crystal e Irina’s Theme. El primero, obviamente centrado en las calaveras de cristal, ofrece melodías suaves, etéreas, de misterios latentes, y consigue atrapar e inquietar con gran eficacia. Irina’s Theme mantiene notables semejanzas con el anterior al estar el personaje muy relacionado con las calaveras, pero el registro es más oscuro y dramático. Se retrata muy bien la personalidad fría y con creencias esotéricas de la villana. En el tramo final el corte adquiere gran fuerza con unos espectaculares vientos, para luego volverse sutil de nuevo.

Para presentar al joven Mutt tenemos el característico corte de acción y humor en la línea de Basket Game o Escape from Venice. Es divertido, pegadizo y muy bonito. Se mantiene en una línea semejante The Snake Pit, otro instante de humor muy logrado. Con un homenaje al tema del Arca (en La última cruzada también hubo uno) volvemos al motivo de la calavera, encontrándose ahora mezclado con notas de misterio y tenues marchas marciales para remarcar la presencia de los soviéticos. Es una aproximación al tema central bastante variada e intensa, y cerca del final Williams ofrece unas melodías magistrales como sólo él sabe hacer: poderosas, sobrecogedoras y con espléndidas fanfarrias.

The Journey to Akator es un corte de transición, con versiones del tema de Indiana Jones y la música dedicada a presentar la aldea sudamericana, cómo no de rasgos mejicanos. A Whirl Through Academe es una pista de acción, completamente puesta a las órdenes de las imágenes y no especialmente destacable, mientras que “Return” es parecida pero inclinada hacia la línea de intriga. Mucho más interesante es lo que viene a continuación. El inmenso The Jungle Chase está a la altura de los grandes temas de acción del maestro: gran imaginería, con constantes y geniales variaciones que se amoldan a las imágenes sin perder los motivos que son representados y por supuesto un fantástico sentido del espectáculo. Las marchas militares rodeadas de vientos son fascinantes.

La búsqueda de las tumbas de los Conquistadores y por ende de las calaveras es representada por motivos de intriga (Orellana’s Cradle) y de acción (Grave Robbers). Este último se construye con una comedida amalgama de percusiones y orquesta que producen muy bien sensaciones de agobio y peligro, mientras que el que le precede muestra rasgos misteriosos muy sencillos. Hidden Treasure and The City of Gold exprime el tema de la calavera hasta conseguir un clímax que deja sin aliento, y a continuación, con notas que recuerdan a War of the Worlds, deambula a través de tonos de tensión algo oscuros. Otros momentos de transición no especialmente destacables son Secret Doors and Scorpions y Oxley’s Dilemma.

El ataque de las hormigas caníbales se acompaña por el corte Ants!. Su dinamismo, su ritmo demencial y las notas afiladas y agobiantes ofrecen otro de los magníficos temas de acción del maestro, sólo limitado porque las melodías recuerdan a Munich y a la nueva trilogía de Star Wars. La resolución de la aventura llega de la mano de Temple Ruins and The Secret Revealed, un tema de gran fuerza y tensión que prácticamente se enlaza con The Departure, el cual se mantiene en la misma línea y ofrece un clímax apoteósico. El epílogo y los créditos (Finale) como es habitual reúnen varios de los temas principales: el de Marion, el de Indiana, etc.

La conclusión que un servidor saca del álbum es que la edición es mejorable pero contiene una cantidad más que aceptable de la composición, mientras que, como es habitual con John Williams, estamos ante una banda sonora con gran personalidad, muy dinámica y llena de temas espléndidos. Se le puede criticar algo no muy común en él, la reutilización de temas de otras de sus obras, bastante evidentes en algunos casos, pero no es un gran lastre en una partitura muy completa y eficaz.

1. Raiders March - 5:06 2. Call of the Crystal - 3:50
3. The Adventures of Mutt - 3:12
4. Irina’s Theme - 2:26
5. The Snake Pit - 3:15
6. The Spell of the Skull - 4:24
7. The Journey to Akator - 3:08
8. A Whirl Through Academe - 3:34
9. "Return" - 3:12
10. The Jungle Chase - 4:23
11. Orellana’s Cradle - 4:22
12. Grave Robbers - 2:29
13. Hidden Treasure and The City of Gold - 5:14
14. Secret Doors and Scorpions - 2:17
15. Oxley’s Dilemma - 4:46
16. Ants! - 4:14
17. Temple Ruins and The Secret Revealed - 5:51
18. The Departure - 2:27
19. Finale - 9:20
Total: 77:30

The Happening, 2008, EE.UU. Género: Misterio. Duración: 91 min. Director: M. Night Shyamalan. Escritor: M. Night Shyamalan. Actores: Mark Wahlberg, Zooey Deschanel, John Leguizamo, Ashlyn Sanchez. Música: James Newton Howard.

Valoración:
Lo mejor: La música de James Newton Howard.
Lo peor: Es una película vacía, insípida, insustancial.
Mejores momentos: La conversación a través del tubo.

Vaya por delante que soy un gran admirador de Shyamalan (hasta sé escribir bien su apellido de memoria, que ya es decir), al que considero uno de los mejores directores (y escritores, porque se hace sus guiones) de la última década. Salvo La joven del agua, cinta irregular y con algunos problemas (aún así muy entretenida y con buenos momentos), todo lo que ha realizado desde que saltó a la fama con El sexto sentido me parece del mejor cine que se ha visto en los últimos años, aunque haya sido considerablemente incomprendido. Pero El incidente es un bache, y bastante grande.

No es lo que se dice una mala película, pero no tiene nada que la haga remarcable, genuina. La historia es muy simple y no está narrada de forma que despierte demasiado interés. Los miedos de la sociedad actual están bien incluidos, pero la trama de ficción fantástica es poco menos que insustancial y a ratos ridícula. No hay sensación de amenaza, no hay tensión realmente palpable en ningún momento, y por el contrario hay varias secuencias bastante discutibles por no aportar nada consistente (la aparición de la anciana es surrealista). Los personajes, uno de los elementos donde Shyamalan obtiene siempre grandes resultados, son anodinos y a ratos insufriblemente tontorrones. No despiertan interés, sus acciones son muy discutibles (qué de tonterías hacen) y los diálogos que salen de sus bocas muchas veces resultan exasperantes (qué cantidad de paridas sobre ciencia sueltan, ¿por qué tanto empeño en dar explicaciones si esto es fantasía?).

Los dos actores principales se muestran bastante limitados: Mark Wahlberg está claro que no sirve para el drama y Zooey Deschanel, a pesar de sus ojazos, no muestra la más mínima emoción. Y lo que más me ha decepcionado después de la falta de garra de la historia es la dirección. De Shyamalan esperaba virtuosismo y escenificación impecable, pero no ha sido así. Su trabajo es bastante monótono, muy televisivo (el 90% del metraje son primeros planos cerradísimos), y si no fuera por la espléndida música de James Newton Howard, que salva con gran habilidad muchísimas escenas, el resultado habría sido mediocre.

A rasgos generales no puedo considerarla como una mala película, no es más que un entretenimiento muy sencillo y poco impactante. Sin embargo eso no evita que viniendo de quien viene la decepción sea de grandes proporciones. Aprobado raspado, y ya veremos si aguanta un segundo visionado.

Es una lástima lo de este director. Como decía es para mí de los más grandes del momento, pero crítica y público se lo han desprestigiado y hundido injustamente. La joven del agua era muy irregular estoy seguro que debido a esa presión (ahí está el personaje del crítico como prueba), y El incidente intenta ser más sencilla supongo que para venderse mejor, pero lamentablemente así se pierde toda la esencia característica del director. Espero que en futuras producciones esté más centrado, que esta cinta sólo haya sido un bache, y espero que las productoras no le empiecen a poner trabas porque se infravalore su obra. No sería justo que se perdiera un autor que, viendo su trabajo anterior, aún puede ofrecer muchas maravillas.

Man on the Moon, 1999, EE.UU. Género: Drama, comedia. Duración: 118 min. Director: Milos Forman. Escritores: Scott Alexander, Larry Karaszewski. Actores: Jim Carrey, Danny DeVito, Paul Giamatti, Courtney Love. Música: Gavin Friday, Maurice Seezer.

Valoración:
Lo mejor: Es un relato atrevido, original, y lleno de humor.
Lo peor: Altibajos en el ritmo y el interés.
Mejores momentos: Muchos de los números del protagonista. Cuando le dice a sus seres queridos que está enfermo. Su entierro.

Como he dicho en alguna ocasión, es difícil realizar una biografía de un personaje famoso que equilibre bien la descripción de las partes más importantes o relevantes de su vida y el entretenimiento, y en este aspecto Man on the Moon es una de las obras más logradas que he visto. Sí, tiene algún ligero bajón, pero en general la cinta cumple correctamente con su cometido, sobre todo si se tiene en cuenta la dificultad añadida por lo estrafalario e impredecible del personaje de Andy Kauffman.

Como el mismo Kauffman se definía, no era un cómico, sino un actor de variedades. Los números, chistes, monólogos y demás espectáculos de este artista eran originales, irreverentes, atrevidos, acertados en ocasiones y fallidos en otras, comprendidos e incomprendidos por igual. Su personalidad era un misterio, sus propios amigos no sabían qué esperar de él (atención a cuando afirma que tiene cáncer y nadie le cree). La cinta sabe aprovechar ese aspecto y hace gala de un humor muy poco común, basado en la sorpresa y el engaño. Siempre consigue ir un poco más allá, quedarse de nuevo con el espectador cuando parecía que ya había mostrado todas sus bazas. Se puede indicar que la cinta tiene un par de tramos donde pierde fuelle (con el tema de la lucha se extiende más de la cuenta), pero en conjunto es muy amena y su visionado deja muy buenas sensaciones.

La vida laboral de Kauffman se resume muy bien (mención especial para la aparición de los actores de la serie Taxi), mientras que en la personal se cuenta lo justo sin incidir innecesariamente en aspectos privados o amarillistas. Se muestran las relaciones con su agente y amigo (un excelente Danny DeVito), con su compañero de fatigas (un siempre excepcional Paul Giamatti) y con su novia y posteriormente esposa (una torpe Courtney Love). Sin embargo, como era prácticamente obligatorio se trata muy bien su etapa final, su enfermedad y su fallecimiento, partes donde se nos regalan algunas de las mejores escenas de la película, como el viaje que hace, desesperado por esquivar a la muerte, en busca de un curandero, un magufo que como era obvio le engaña tal y como ha estado haciendo él durante toda su vida con el resto de la gente, o como su entierro, muy bonito y emotivo.

Quizá no sea recordada como una gran biografía porque no es un personaje muy conocido, ni como una gran película porque aunque es divertida no llega a ser deslumbrante, pero es una cinta inteligente y original que trata muy bien al personaje representado, quien además está bien interpretado por un actor que sea adecua muy bien a las necesidades: el histriónico Jim Carrey.

Mike Oldfield - The Songs of Distant Earth Género: Nuevas músicas, electrónica Año: 1994, WEA Valoración:

The Songs of Distant Earth es el segundo álbum de la época WEA, nacido un par de años después del exitazo que supuso el Tubular Bells II, esa segunda parte que prometía el inicio de una nueva etapa de prosperidad pero al final se quedó en una pequeña perla antes de la debacle final, antes de un sin fin de discos más o menos aburridos.

Mike Oldfield sorprendió a propios y extraños con una obra arriesgada, muy alejada de lo que estaba realizando hasta ahora. El álbum apenas muestra rasgos de rock y se inclina por completo hacia la electrónica y nuevas músicas, con ambientes tranquilos y melodías por lo general apacibles. Pensado como una especie de banda sonora para la novela 2001: una odisea en el espacio de Arthur C. Clarke, Oldfield nos introduce en un viaje por los confines del sistema solar a través de sonoridades envolventes, de melodías de guitarra y teclados muy suaves rodeadas de efectos y coros diversos.

Destacan temas como Let There Be Light, con un cántico angelical y un trasfondo bastante sugestivo, Magellan, donde tras un inicio arrollador se inclina hacia pianos y guitarras, Oceania, con bonitas guitarras de sonidos muy originales y característicos, y A New Beginning, el más atípico del álbum, un tema espectacular de coros de rasgos africanos.

Sin embargo Oldfield llega bastante tarde a un género ya muy maduro y lo hace con una composición algo monocromática y no muy inspirada que provoca pocas emociones: se escucha con agrado pero no es lo suficientemente hermoso ni impactante como para ser recordado. Hay muchas obras de calidad notablemente superior en estos estilos de músicas, como la labor de Chris Spheeris, la de Ray Lynch o los discos publicados en el sello Narada (David Arkenstone es el más conocido y vendible). Muchos seguidores de Oldfield tienen este disco en muy alta estima, pero un servidor es incapaz de verle ninguna virtud musical digna de mención. Es entretenido pero bastante insustancial.

1. In the Beginning - 1:24
2. Let There Be Light - 4:57
3. Supernova - 3:24
4. Magellan - 4:40
5. First Landing - 1:16
6. Oceania - 3:19
7. Only Time Will Tell - 4:26
8. Prayer for the Earth - 2:09
9. Lament for Atlantis - 2:43
10. The Chamber - 1:47
11. Hibernaculum - 3:33
12. Tubular World - 3:24
13. The Shining Ones - 2:57
14. Crystal Clear - 5:42
15. The Sunken Forest - 2:37
16. Ascension - 5:49
17. A New Beginning - 1:33
Total: 55:48

La huelga de camioneros ha impedido que el equipo necesario para la realización de los conciertos de Ennio Morricone (Madrid y Zaragoza) llegase a tiempo a su destino, por lo que se ha aplazado la representación. No se ha fijado la nueva fecha todavía, pero las entradas serán válidas.

In America, 2002, EE.UU. Género: Drama. Duración: 105 min. Director: Jim Sheridan. Escritores: Jim Sheridan, Naomi Sheridan, Kirsten Sheridan. Actores: Paddy Considine, Samantha Morton, Sarah Bolger, Emma Bolger, Djimon Hounsou. Música: Gavin Friday, Maurice Seezer.

Valoración:
Lo mejor: El guión y los actores, excepto…
Lo peor: …Paddy Considine, pésimo.

Jim Sheridan, autor máximo de la película (guión, dirección, producción), mezcla en esta historia elementos de su propia vida (la familia protagonista y la pérdida del hijo menor) con la de otros irlandeses que como él emigraron a EE.UU. en busca de una vida mejor. Sheridan se esforzó mucho en ser fiel a realidad, tanto que incluso contó con la aportación de sus hijas para que con sus recuerdos otorgaran más realismo y profundidad a los personajes. También es destacable el retrato de la metrópolis de Nueva York, descrita como calurosa y desbordante de gente de todo tipo y condición. El autor recalca que no sólo sus congéneres pasan por malos momentos, sino que toda la ciudad es un hervidero caótico de miserias donde los habitantes sobreviven como pueden, ya sea hundiéndose en su miseria o por el contrario sin rendirse en la búsqueda de nuevas oportunidades. Así pues En América puede definirse en cierta manera como un drama histórico, a veces bastante lacrimógeno pero nunca desgarrador, sino esperanzador y emotivo; o en otra palabras, es una película hermosa sobre cómo una familia sale adelante tras una situación económica precaria y algunas dolorosas tragedias.

La cinta brilla en algunos aspectos mientras que los puntos negativos se limitan a uno, eso sí, bastante destacable. Hablo de la interpretación de Paddy Considine, el padre de familia. El casting erró totalmente al seleccionar a alguien con tan poco carisma y con unas dotes tan limitadas. El actor es poco menos que infame e insufrible y en cada plano, en especial cuando el personaje debe expresar emociones extremas (pena, ira, etc.), hace el ridículo de forma increíble. Desentona aún más porque el resto del reparto es muy correcto, empezando por las niñas (Sarah y Emma Bolger), dos jóvenes hermanas muy bien metidas en sus papeles (y aquí el director tuvo mucho que ver, pues rodar con niños es muy difícil), y acabando por la siempre excelente Samantha Morton o el imponente Djimon Hounsou, que sorprende con una interpretación de gran ternura.

Un guión de calidad, una dirección que ofrece buen ritmo, con cada escena bien ubicada (aunque algunas en principio parezcan gratuitas), unas actrices en estado de gracia y numerosas escenas encantadoras hacen de En América una película altamente recomendable.

El otro día mi madre se puso a hacer limpieza y sacó la enorme caja donde teníamos guardadas y olvidadas las cintas o cassettes de audio para meterlas en bolsas y tirarlas. Al principio me quedé un poco bloqueado: ¿cómo vamos a tirar tantas horas de música que tanto dinero y esfuerzo nos costó grabar? Pero la respuesta está clara: es inútil mantener tanto material en ese formato, pues ya hasta el coche lee CD e incluso mp3, y de hecho ahora mismo donde más música escucho es en el ordenador. Ya no nos sirven, sólo ocupan espacio.

Tengo claro que tarde o temprano las cintas de video seguirán el mismo camino, probablemente incluso las originales. Cada vez que me entran ganas de volver a ver una película que sé que tenemos me paro a pensar en que ahora el VHS es un formato anticuado y con pocas virtudes (predominio del formato 4:3, pérdida de calidad de imagen y sonido conforme al paso del tiempo –es un formato que se degrada muy rápido-, etc.) y casi siempre termino bajando la misma película en divx (a ser posible en VOS) o, si me gusta mucho como para tenerla en condiciones, comprándola en DVD. Uno no deja de sentir cierto pesar ante tanto arte pudriéndose en nuestras estanterías, pero es obvio que ya no sirve para mucho y tendremos que renovarlas. Hasta las numerosas cintas de Babylon 5, que me costaron años y muchos favores conseguir, hace años que acumulan polvo como objetos inútiles que son. Y el reproductor de video no recuerdo cuándo fue la última vez que lo usé, porque ya me harté de las grabaciones de madrugada (Urgencias, El Ala Oeste, etc.) y me pasé a Internet, donde está todo al alcance de la mano con rapidez y calidad.

Algunos ponen el grito en el cielo con la llegada del Blue-Ray, pero no se alarmen ustedes, que esto no terminará con el DVD, sino que es como una versión más moderna del mismo y además lo que tengamos en DVD seguirá valiendo. Pero eso no me quita la sensación de que en un lustro o una década el capitalismo desenfrenado al que se nos induce y la rapidez con que avanza la tecnología nos traerá otra cosa (3D, por ejemplo) que nos obligará a empezar otra vez desde cero con nuevos aparatos y formatos.