Chloe, 2009, EE.UU. Género: Drama. Duración: 96 min. Director: Atom Egoyan. Escritores: Erin Cressida Wilson, Anne Fontaine. Actores: Julianne Moore, Liam Neeson, Amanda Seyfried, Max Thieriot. Música: Mychael Danna.

Valoración:
Lo mejor: Los actores.
Lo peor: Ritmo lento y aburrido, historia simplona que da poco de sí.
Mejores momentos: Pues cada plano sobre Amanda Seyfried, claro está.

Chloe narra un bache notable de un matrimonio estándar, donde la chispa ha ido apagándose y afloran sentimientos difíciles de enfrentar: ¿ha dejado de amarme por mi edad, ya no tenemos cosas en común, ha desaparecido la pasión? En un momento de debilidad la esposa decide contratar a una prostituta joven para que finja ser estudiante y comprobar si el esposo se le tira al cuello nada más verla.

Lo que se ofrece es un drama sencillo y poco original, con un ritmo apático y unos diálogos sin fuerza y bastante previsibles. Los tres personajes principales salen bien parados, resultando muy humanos y cercanos, y ayudados por los excelentes actores son lo único que sustenta la cinta. Sin embargo la presencia del hijo del matrimonio resulta bastante forzada. Da la impresión de que está puesto ahí para ser utilizado en la escena final, pues el resto de sus esporádicas apariciones no aportan nada.

Se le otorga al relato un tono de thriller erótico, pero al igual que la endeble trama decepciona. No hay mucha carne, y aunque ver a Amanda Seyfried insinuante es un placer toda la historia carece de la tensión sexual que cabría esperar e incluso las escenas clave (como el polvo más importante… y el único) pasan como si nada, sin emocionar, sin dejar huella y con pocas probabilidades de hacerte pensar que repentinamente tus calzoncillos se quedan pequeños.

Hacia el tramo final parece centrarse, ganar densidad e interés, pero una vez se ve el desenlace y se medita sobre el conjunto resulta ser un espejismo. Se salva la gran conversación que supone la reconciliación, un apunte muy realista y hermoso sobre el desgaste del amor y el desinsterés y miedo que provoca el paso tiempo y los cambios en la relación (una lección que deben apuntar muchas parejas), pero a partir de ahí confluye en un clímax digno de telefilme barato, con acoso, enfrentamiento y muerte de lo más previsibles que dejan un sabor a decepción, a ideas desaprovechadas y tiempo que el espectador ha perdido.

En conjunto es salvable por su correcta realización, su reparto con figuras muy profesionales (Liam Neeson, Julianne Moore –a la que la edad ya la está tocando bastante- y la hermosísima Amanda Seyfried) y alguna que otra escena subida de tono, pero es floja, insípida y, lo peor, bastante aburrida. Habría que ver si la versión original (es un remake de una cinta francesa) ofrece algo más sustancioso, pero las críticas que tiene la ponen más o menos igual, así que no tengo interés en comprobarlo.

Predators, 2010, EE.UU. Género:Acción, ciencia-ficción. Duración: 107 min. Director: Nimród Antal. Escritores: Alex Litvak, Michael Finn. Actores: Adrien Brody, Alice Braga, Topher Grace, Walton Goggins, Oleg Taktarov, Lawrence Fishburne, Danny Trejo, Luois Ozawa Changchien, Mahershalalhashbaz Ali. Música: John Debney.

Valoración:
Lo mejor: Pues… pues… pues que no es horrible, que no es poco.
Lo peor: No tiene nada para recordar.
La pregunta: ¿Por qué ahora no se traducen los títulos de las películas?

Hoy día el agotamiento de ideas y la búsqueda de cintas de rentabilidad segura llevan a Hollywood a tirar muchísimo más de la cuenta de remakes, continuaciones de sagas y adaptaciones de todo lo que pillen. Y generalmente son cintas que arrastran un bochornoso tufo a producto prefabricado para reventar la taquilla sin ofrecer prácticamente nada de cine auténtico a cambio. Es de agradecer que con Predators intentaran volver a la forma clásica de la saga tras esos dos insultos de Alien Vs. Predator que jamás deberían haber existido, es de agradecer que intentaran hacer una película real y no un producto de consumo vacío y estúpido. Pero parece que a Hollywood, tan estancado en la mediocridad, se le ha olvidado cómo hacer cine de calidad. Predators es un quiero y no puedo alarmante a nivel de historia y a nivel visual, un filme torpe y simplón que muestra una gran falta de ideas y de profesionalidad.

El guión apenas es capaz de ir más allá de la imitación y homenaje a la cinta original. Se disfraza la falta de originalidad trasladando la acción a otro planeta (enésimo planeta imposible: ese exagerado plano al cielo desbordante de gigantes gaseosos, lunas…) y metiendo algunas criaturas nuevas (sorpresas que además son reventadas negligentemente en los trailers, como es habitual hoy día), pero no es suficiente para eludir el halo de indiferencia que deja, de las sensación de que no se aporta nada nuevo. Si al menos contaran bien la historia, pero la narración es previsible, monocromática, sin chispa ni un solo momento puntual digno de recordar.

El grupo de personajes es a primera vista lo más prometedor, pero no se aprovecha lo más mínimo. Abundan los clichés, las relaciones son mediocres y ninguno tiene carisma ni tirón suficiente como para despertar interés. Los giros que hay sobre algunos de ellos son poco menos que lamentables a la par que sumamente previsibles: la ridícula aparición de un loco cansino interpretado por Lawrence Fishburne, la cutre forma de dar a conocer qué pinta el médico ahí, el protagonista que se va pero no se va, etc. Por cierto, el doblaje que se empeñan en poner a Adrien Brody es de esos que se cargan completamente la labor de actor.

Fui al cine esperando como mínimo una producción de acción decente, más o menos espectacular visualmente, pero la dirección de Nimród Antal está al mismo nivel que el guión: vulgar. La selva no se convierte en un lugar bello pero aterrador (si es que parece rodada en el parque de tu barrio), la presencia de los depredadores no inquieta, sus ataques aburren, las escenas de más acción son flojísimas, no existe un solo instante que impresione o que simplemente nos saque de la monotonía.

Un aspecto mítico de Depredador fue la memorable banda sonora de Alan Silvestri. Es una lástima que no estuviera disponible (no pudo hacer un hueco en su agenda… o vete a saber si no puso demasiado interés en conseguirlo), así que nos hemos perdido cómo se hubiera enfrentado a la misma saga tantos años después, cómo habría influido en su trabajo la maduración y experiencia. John Debney se encarga de la poco honrosa labor de versionar ese clásico, tarea que cumple muy bien.

La segunda entrega sí supo muy bien ir un paso más adelante sin olvidar la esencia original, contando una buena historia, con buenos personajes y numerosos tramos espectaculares. Es una cinta infravaloradísima a recordar, una lección de cine de acción y ciencia-ficción comparada con esta insípida Predators.

Centurion, 2010, EE.UU. Género:Aventuras. Duración: 97 min. Director: Neil Marshall. Escritor: Neil Marshall. Actores: Michael Fassbender, Dominic West, Liam Cunningham, David Morrisey, Riz Ahmed, JJ Field, Axelle Carolyn, Ulrich Thomsen, Noel Clarke, Olga Kurylenko, Imogen Poots. Música: Ilan Eshkeri.

Valoración:
Lo mejor: Es un entretenimiento digno de ver, de ritmo trepidante, con buenos personajes y sangre, mucha sangre.
Lo peor: La fotografía sobrecargada de filtros.
Mejores momentos: Todas las confrontaciones (en especial la final) y la escena de la cueva.

Parece que si haces una película de género medieval, romano o de cualquier época de héroes y espadas debes incluir tramas de conspiraciones políticas de alto nivel y batallas colosales. Es raro, sobre todo hoy día, ver cintas ancladas en estas épocas que narren aventuras más sencillas, que olviden las complejidades de los conflictos entre nobles y reyes para centrarse en la aventura del soldado de a pie o del pueblo llano. Ni las recientes Robin Hood y El Reino de los Cielos, que partían en principio de las historias de rangos bajos o don nadies, se libraron de sumergir al protagonista en todo el embrollo de las altas esferas. Pero Centurion es un filme que se desliga de pretensiones innecesarias para ofrecer un sencillo y gratificante relato de aventuras de supervivencia, mostrando las penurias de unos pocos personajes en su lucha contra la naturaleza y el hombre.

La narración destaca principalmente por tres puntos: por su ritmo equilibrado y trepidante donde se controlan muy bien los giros argumentales que dirigen el hilo conductor hacia nuevas direcciones, por su grupo de personajes muy bien presentado (en la magnífica la escena de la cueva) y donde cada uno tiene una historia que contar, y por ser un espectáculo dedicado exclusivamente al público adulto, mostrando la violencia y sangre intrínseca a las peleas a espada sin escatimar en fluidos, vísceras y miembros amputados en primer plano.

Lo que parecía iniciarse como la descripción de una campaña bélica confluye hacia la desesperada supervivencia de un pequeño número de soldados. A partir de ahí no hay descanso, todo es una carrera por salvar el pellejo de los pictos y los hostiles parajes, pero en este nuevo curso también se producen varios giros que cambian la situación, como la aparición de la joven rubia (historia de amor que a pesar de su brevedad no me ha parecido forzada) o las dos sorpresas finales (la primera, en el campamento, es excelente, la segunda, en el muro, es algo rebuscada pero eficaz), y más atrás alguna traición bien colocada, algún asesinato que sale mal y un rescate cuyo desenlace es también inesperado.

La dirección de Neil Marshall saca muy buen provecho de la espectacularidad latente en un relato de este tipo, especialmente en las batallas, donde destaca por su claridad a la hora de mostrar todo el caos sin los malditos movimientos agitados de cámara propios de directores que quieren ocultar sus carencias, con coreografías que ofrecen la esperada aparatosidad del momento pero sin olvidar el realismo. La fotografía exprime los paisajes mostrando su abrumadora belleza, pero desgraciadamente se afea ligeramente por un sorprendente e innecesario abuso de filtros blanquecinos y grises. Los actores, todos bastante desconocidos (Dominic West es el que más he visto, por su papel protagonista en The Wire o su aparición en esa cutre serie B llamada Punisher: War Zone), llevan muy bien los interesantes personajes. Otros aspectos como la música y el vestuario dan lo necesario sin problemas. El único elemento que falla un poco es el uso de sangre digital, pues en las primeras escenas abusan de él y efecto no está muy conseguido, pero parece que se dieron cuenta del error y conforme avanza la proyección se centran en darle mayor credibilidad, sin por ello eludir un tono que roza el gore en algunos momentos.

Centurion me ha resultado una grata sorpresa por todos estos factores que he ido comentando: por elegir un género en desuso y aprovecharlo bien sin pretender abarcar más de lo necesario, por no acobardarse a la hora de mostrar violencia y sangre (algo que cada vez se ve menos), y por en general resultar un filme condenadamente entretenido que no tiene carencias notables que emborronen el disfrute en algún punto del metraje. Me gustaría que hubiera más producciones así como estrenos veraniegos de poca trascendencia en vez de tanta tontería saturada de efectos especiales destinada a los jóvenes.

Toy Story 3, 2010, EE.UU. Género: Animación, aventuras. Duración: 103 min. Director: Lee Unkrich. Escritores: Michael Arndt, John Lasseter, Andrew Stanton, Lee Unkrich. Actores: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Ned Beatty, Don Rickles, Wallace Shawn, John Ratzenberger, Stelle Harris, Laurie Metcalf, Blake Clark. Música: Randy Newman.

Valoración:
Lo mejor: Guión, animación, sentido de la aventura.
Lo peor: Tras las dos anteriores, sabe a poco.
Mejores momentos: La caída hacia el fuego.
El plano: El mono vigilante.
La frase: ¿Quién es Andy? –Una niña en el cine al terminar la película (qué risas, joder).

Toy Story 3 se centra desamparo y el terror de los protagonistas ante un gran cambio en sus vidas: la maduración de su amado dueño y el subsiguiente abandono de los juguetes. Por ello adquiere un tono más melancólico que las otras dos partes, y de hecho hay algunos momentos bastante trágicos, pero tampoco se olvida del sentido del humor y la aventura. Hay también desde mi punto de vista más mensajes moralistas sobre la familia, la amistad, el sobreponerse a los malos momentos, la lucha contra el orden establecido si hay abusos (y éste le da un tono más adulto y valiente), etc.

El sentido del humor es bastante eficaz en todas sus formas y no decae en ningún instante. Como en la segunda parte las referencias al cine son notables, utilizándose mucho el estilo carcelario de cintas como La gran evasión (centrándose mucho en la figura de Mr. Patata), aunque también llaman la atención unas pocas salidas de tono un poco absurdas para lo que acostumbra Pixar que funcionan bastante bien (Buzz en modo español –convertido en andaluz hortera en la versión doblada- o el desfile de moda de Kent).

Como momentos a destacar hay unos cuantos. El que más gratas sensaciones me ha dejado es la aparición de un muñeco de Totoro, el simpático monstruo de la deliciosa película de Hayao Miyazaki (a quien en Pixar tienen en muy alta estima), pero hay otros dignos de recordar: los primeros pasos en la guardería, con la presentación del oso rosa y el ambiente de ensueño transformándose poco a poco en pesadilla, y sobre todo el impresionante y trágico instante de los protagonistas cayendo al fuego, que te deja a punto de gritar y llorar de emoción y es resuelto con la maestría propia de los genios de Pixar. Pero lo más llamativo sin duda es el especial interés que se pone en explicar la personalidad del osito que tiene montada una dictadura en la guardería. Sorprende que en una película para niños el villano no se limite a ser un arquetipo de monstruo porque sí, sino un individuo más que ha caído en desgracia por una determinada situación y que no se ha esforzado lo suficiente para salir de ella, sino que ha optado por imponer su visión del mundo a los demás. Y no acaba ahí, porque también me dejaron a cuadros en la clásica escena donde los protagonistas le perdonan; no lo explicaré para no destripar una excelente sorpresa. Es la enésima muestra de que Pixar está un paso por delante del Disney clásico en lo que respecta a riesgo, madurez y la idea de que por ser un filme para toda la familia no debe limitarse a arquetipos más o menos huecos.

En general es una aventura muy agradable de ver, notablemente amena y divertida, pero le falta ritmo en su primera mitad y la sensación de que no se aporta nada nuevo y de que muchas cosas se ven venir es constante. Va lanzándose poco a poco hasta llegar a un clímax sublime, pero no ha sido suficiente como para quitarme la idea de que le ha faltado algo de garra, de que no ha tenido la fuerza y originalidad necesaria para resultar inolvidable, de que carece del poder de atracción que transmitían las otras dos entregas gracias la perfección de la que hacían gala. Creo que es un buen final para la saga (más por temática que por calidad), pero es también es una señal de aviso: las secuelas provocan desgaste porque hay que ceñirse a unos parámetros determinados, céntrense en crear nuevas historias por favor. Sin embargo, tienen ya en marcha varias.

Ver también:
- Up.
- Ratatouille.
- Buscando a Nemo.
- Cars.

Glory, 1989, EE.UU. Género: Bélica, drama. Duración: 122 min. Director: Edward Zwick. Escritores: Kevin Jarre basándose en las novelas de Lincoln Kirstein, Peter Bourchard y las cartas de Robert Gould Shaw. Actores: Matthew Broderick, Morgan Freeman, Denzel Washington, Cary Elwes, Jihmi Kennedy, Andre Braugher. Música: James Horner.

Valoración:
Lo mejor: Música, fotografía, vestuario, dirección, actores secundarios.
Lo peor: Es muy típica y predecible.
Mejores momentos: Las batallas, la odisea de buscar zapatos y la lucha contra el indigno salario.

En el fondo Tiempos de gloria es una película excesivamente clásica o hollywoodiense de guerra y héroes, donde todos sus personajes y situaciones obedecen a arquetipos muy fáciles de ver y cuyas evoluciones todo espectador intuirá rápidamente. El joven héroe que debe luchar con ingenio en un mundo difícil, los amigos que chocarán con su rápido ascenso, el rebelde que molesta a todos pero termina siendo un amigo de valor, el líder sin escrúpulos que pondrá a los héroes en peligro, las clásicas escenas de superación personal, las batallas donde se salvan unos a otros cuando el relato lo requiere, el final trágico que convertirá a los protagonistas en héroes para la posteridad…

Si la cinta destaca como una producción impresionante y una obra de gran calidad es porque sus artífices la construyen con una artesanía impecable y se sobreponen a los tópicos para convertirla en un relato de héroes clásicos de primer nivel. El guión (basado en un par de novelas y las cartas que escribió el protagonista) lo tiene puesto todo en su momento justo para no resultar forzado y ofrece diálogos correctos y personajes de calidad cuya evolución, aun se vea venir, es coherente y sirve bien a los propósitos de la cinta. Incluso las partes más previsibles (como el final) se ruedan tan bien que no puedo quejarme de momentos excesivamente manipuladores, de hecho resultan espectaculares. La fotografía, vestuario, sonido y sobre todo dirección son impecables y ofrecen un aspecto visual arrebatador, donde destacan unas batallas impresionantes cargadas de extras y realismo (se podían hacer maravillas sin efectos digitales). Pero lo que reluce de forma asombrosa es la excelsa banda sonora de James Horner, una de las grandes obras maestras de su carrera (y tiene unas pocas inolvidables), que redondea y realza la cinta de forma magistral y cuyo tema central es de los más memorables de la historia de la música de cine.

El reparto lo encabeza un joven Matthew Broderick, quien se ve bastante limitado por su inexperiencia, pero está secundado por algunas figuras que ofrecen interpretaciones que van desde lo impresionante (Denzel Washington dándose a conocer a lo grande) a lo sobradamente profesional (Morgan Freeman es un valor seguro ahora y lo era hace veinte años).

Edward Zwick es un director que no se prodiga mucho, pero en su haber tiene cintas francamente buenas, como la aquí comentada, Leyendas de pasión o las muy infravaloradas Resistencia o El último Samurai. Es una pena que no se deje ver más a menudo, porque es un realizador muy bueno.

Inception, 2010, EE.UU. Género: Thriller, acción, ciencia-ficción. Duración: 148 min. Director: Christpoher Nolan. Escritor: Christopher Nolan. Actores: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Ken Watanabe, Tom Hardy, Dileep Rao, Cillian Murphy, Tom Berenger, Marion Cotillard, Michael Caine. Música: Hans Zimmer.

Valoración:
Lo mejor: El genial toque de Christopher Nolan: la originalidad y calidad que ofrece de nuevo tanto en el guión como en la dirección.
Lo peor: Reparto, personajes, música, montaje.
Mejores momentos: El clímax con varios hechos sucediéndose paralelamente, en especial las escenas en el hotel.
La pregunta: Si el protagonista no puede ir a EEUU a ver a sus hijos, ¿por qué su padre no se los lleva a otro país de vez en cuando?

–Alerta spoilers: Mejor no leer si no deseas revelarte algunas cosas importantes. Es una película para ver en blanco.–

Está claro que Christopher Nolan es uno de los mejores directores en el presente. La facilidad que tiene este genio para narrar embrollos enormes sin que se vean resentidos el ritmo y la coherencia es fascinante, y tiene el toque que le falta a otros autores considerados de los grandes (y me vienen a la mente Clint Eastwood y Martin Scorsesse, a quienes ya he puesto varias veces como ejemplo de grandes directores pero no tan buenos narradores): sabe entretener y dejarte boquiabierto no solo con cuatro escenas buenas o una admirable realización, sabe contar historias realmente densas sin perder por ello la noción del espectáculo. Puestos a comparar, en el sentido de saber llenar las salas de cines sin dejar de lado la calidad y la inteligencia es del nivel de Steven Spielberg, aunque obviamente con su propio estilo. Pero Origen no es su obra maestra definitiva (la que esperemos aún esté por llegar), aunque sin duda sí formará parte de su memorable legado.

Me ha parecido una película magnífica, un entretenimiento de una originalidad y calidad que pocos autores consiguen, tanto a nivel de guión como de realización, pero no veo la obra maestra que muchísimos parecen haber encontrado. Principalmente es por la sensación de que no es tan compleja como parece, pero también porque no da todo lo que podría haber dado y porque hay elementos mejorables que impiden que sea tan redonda como sus dos obras más destacadas, Memento y El Caballero Oscuro. De hecho incluso me gustó bastante más El Prestigio, aunque está a su misma altura.

Origen ofrece una narración de ritmo trepidante capaz de atrapar durante todo su largo, denso y enredado metraje. Nolan sabe definir perfectamente las distintas etapas de la cinta, dejando tiempo más que de sobra para describir detenidamente los aspectos cruciales para entender el universo presentado mientras se avanza con paso firme presentando el caso que atañe a los personajes y los conflictos que atormentan al protagonista principal, para lanzarse finalmente a un desenlace tan largo como sublime que se desarrolla a cuatro bandas. Solo hay unos fallos menores que por desgracia Nolan sigue arrastrando desde las dos entregas de Batman y que para mi gusto debería solventar de una vez por todas: sus montajes, sobre todo en escenas de acción, son precipitados y confusos, enmarañando innecesariamente el aspecto visual de algunos tramos, y falla en el uso de la música al repetir de nuevo con Hans Zimmer (quien se vendió a la comercialidad más simplona hace tiempo) y utilizar una banda sonora demasiado constante e insistente a la vez que monocromática que termina sobrecargando innecesariamente multitud de escenas.

Pero los aspectos más mejorables de la cinta vienen del guión, y son elementos que impiden que nos encontremos ante una película que juguetee con la perfección. La trama es sin duda compleja, y a pesar de ello está magníficamente expuesta y desarrollada, pero a la vez no me ha parecido tan difícil como para liarse, perderse o proclamarla como lo más de lo más del cine de los últimos años. Desde mi punto de vista se entiende perfectamente, de hecho diría que El Caballero Oscuro es un thriller más denso y difícil de seguir. No sé si es porque estoy curtido en cine arriesgado, pero me parece sorprendente que haya quien no sea capaz de seguir la inmersión en un sueño dentro de otro, con lo bien explicada que está, con los constantes planos para ubicarte que nos muestran. Será que la gente no está acostumbrada a pensar, así que me alegro de que al menos una película de esta categoría haya calado entre el público poco dado al cine que exige esfuerzo.

Además creo que dada las características de la historia esta podría haber dado mucho más de sí, no me puedo quitar de la cabeza la idea de que los sueños se han desaprovechado bastante. Quitando la parte del hotel, con las escenas donde la gravedad se altera, el resto de incursiones en la mente se limitan a tiroteos normales y corrientes que resultan muy simples, nada espectaculares y muy repetitivos (demasiado: la parte de la nieve se extiende bastante más de la cuenta), y a un par de planos de ciudades deformadas bien conseguidas digitalmente. Por si fuera poco una vez vista Matrix no es que sorprendan las escenas más llamativas, que por cierto fueron negligentemente reventadas en el trailer (algo que detesto). Y hablando de Matrix, los paralelismos son notables, de hecho el tema de los sueños es más en plan crear realidades virtuales que meterse en los sueños de alguien, y precisamente ahí es donde para mí se quedan cortos: podían hacer todo lo que quisieran, pero a parte de un par de planos de ciudades fantasiosas y el instante de hotel no hay nada que exprima todas las posibilidades que había. En conjunto, lo más extraño y original es meter un sueño dentro de otro, y aunque esto se usa magistralmente para construir un intrincado thriller con grandes momentos (el tramo final, bien largo y bien aprovechado, corta la respiración) la sensación de que no se aprovecha del todo la premisa está latente en todo momento.

El otro aspecto crucial de esta y cualquier obra son los personajes, y ahí también flojea para mi gusto más de la cuenta. Estamos muy lejos del amplio y trabajado repertorio mostrado en El Caballero Oscuro o de los impecables protagonistas de El Prestigio. Aquí todo gira alrededor del carácter de DiCaprio, cosa entendible y aceptable, pero no a costa de dejar a los secundarios con una definición escasa y una presencia forzada. Sinceramente, me sobran la mitad de los protagonistas, puestos ahí solamente para cumplimentar con el número de sueños que exige el guión. Algunos quedan notablemente descolgados e infrautilizados, sobre todo el de Ellen Page. Sin embargo el protagonista sale muy bien parado, gracias a su misterioso pasado, los miedos y problemas que le acompañan y el correcto desglose de información al respecto.

Dando vida a estas figuras tenemos un reparto que no me convence lo más mínimo. DiCaprio repite un personaje muy parecido al de Shutter Island, y lo hace sin las ganas puestas en esa y otras labores recientes. Ellen Page y Marion Cotillard me parecen actrices magníficas, pero una por tener un personaje simple y la otra por aparecer poco no son bien aprovechadas. Joseph Gordon-Levitt (el paquete de 500 días juntos) es un actor lamentable con carisma nulo y un lastre notable que afea el producto. El resto de los principales (Tom Hardy, Ken Watanabe, Dileep Rao) cumplen sin más. Al final es el objetivo de la misión, Cillian Murphy, es el que ofrece una labor más competitiva.

Y sobre interpretaciones de la trama, Internet se ha llenado de estudios sobre posibles dobles lecturas, pero en mi caso, al menos en un único visionado, no me ha parecido que tenga capas secretas que levantar. Si la peonza cae o no es la única variable clara, y me parecería un buen final, porque te dejaría con la sonrisa de que es un final abierto pero bien hecho… hasta que se fuerza demasiado: si te muestran dos segundos con la peonza girando no puedes deducir nada, porque sabes que no ha habido tiempo suficiente para saber qué va a pasar, pero si tras un largo plano la susodicha se mueve (y se mueve, que se ve y oye perfectamente), pues te dicen claramente que no es un sueño, porque si lo fuera ni se inmutaría (como se puede ver en otros momentos del filme), jodiendo así la dualidad del final y reventando un plano que no habría dejado indiferente a nadie.

El magnífico e imprescindible Fesvital Internacional Folk Plasencia de este año ya se nos echa encima. ¡Y qué cartel tiene! Como cabezas nada más y nada menos que Lúnasa, la mejor banda celta tradicional de la actualidad y probablemente de la historia, y Wolfstone, mítico grupo que supo mezclar mejor que nadie la tradición de sus tierras escocesas con el rock contemporáneo. Y este año los grupos menores que llenan el cartel son sumamente atractivos, por lo que he estado ojeando de ellos: atractivas mezclas de folk con modernidades, poderosas percusiones, fascinantes txalapartas… Completa la oferta el español Hevia, si cabe lo menos interesante de la temporada, pero creo que una buena elección al ser nombre bastante llamativo para profanos.

Festival Internacional Folk Plasencia 2010.